Clint Eastwood (Gran Torino, Million Dollar Baby) hat in seinen jungen Jahren mit seinen Rollen in diversen Western einen gewissen Bekanntheitsgrad erreicht. 1985 hat er sich auf den Regiestuhl gesetzt um mit “Pale Rider” selber einen Western zu inszenieren, in dem er auch gleich die Hauptrolle übernommen hat.

[INHALT]

Die Bewohner eines Bergarbeiterstädtchens werden vom Großgrundbesitzer Coy LaHood (Richard Dysart) terrorisiert. Jeder noch so kleine Goldclaim wird von ihm aufgekauft. Notfalls werden Unwillige mit Gewalt zum Verkauf gezwungen.

Eines Tages reitet allerdings ein Fremder und namensloser Priester (Clint Eastwood) in die Stadt und stellt sich auf die Seite der Bewohner. Mit einer für einen geistlichen äußerst rabiaten Art und mit ungemeiner Präzision dezimiert er die bewaffneten Schergen des fiesen LaHood.

Das Blatt scheint sich zu Gunsten der Bergarbeiter zu wenden, doch der blutige Kampf bleibt auf beiden Seiten nicht ohne Verluste.

[MEINE MEINUNG]

Irgendwie passt “Pale Rider” so gar nicht in die 80er Jahre. In den Kinos sorgen Arnie & Co. in einfach gestrickten Actionreißern für Ordnung, so dass dieser klassische Western wie ein Fremdkörper wirkt.

Jetzt, mehr als 20 Jahre nach Veröffentlichung, kommt der Film allerdings in einem anderen Licht daher. Schaut man den Film, ohne sein Veröffentlichungsdatum zu kennen, könnte man denken, dass man einen Film aus der Blütezeit des Westerns sieht. Genretypisch sind die Grenzen zwischen gut und böse relativ deutlich abgespeckt und der Film folgt einfach allen typischen Genrekonventionen.

War dies zu der hochzeit des Western kein Problem, wirkt der Film schon bei seiner Erstveröffentlichung wie ein Relikt aus alten Tagen. Und war dies in den 80ern schon problematisch, ist dieses Problem 2010 noch einmal einen Tick größer. Heute erwartet man von einem Film einfach tiefer ausgefeilte Charaktere, die nicht so leicht nach gut und böse sortiert werden können.

Dies ist auch der Hauptgrund, weshalb mir “Pale Rider” nicht wirklich gefallen hat. Der Film hat zwar seine spannenden Momente, doch insgesamt gesehen ist der Film zu durchschaubar. Auch konnte mich die ruhige erzählweise nicht wirklich vom Hocker hauen. Der ganze Film wirkt dadurch etwas träge.

Betrachtet man “Pale Rider” im Vergleich zu Eastwoods späteren werken, merkt man ganz klar, dass im bei diesem früheren Werk noch ein wenig an Erfahrung im Regiestuhl fehlt. Schon mit seinem sieben Jahre später entstandener erneuter Abstecher ins Westerngenre, “Erbarmungslos”, beweist Eastwood selber, dass er es besser kann.

Objektiv betrachtet ist “Pale Rider” mit Sicherheit kein schlechter Film, er trifft nur einfach meinen Geschmack nicht. Ich hatte mich zwar auf den Film gefreut, mag ich Eastwoods späteren Filme doch sehr, nur fehlen “Pale Rider” aus meiner Sicht leider packende Dialoge und das schnelle Tempo.

[Fazit]

Alte Western sind dein Ding? Dann gefällt dir auch der 80er-Jahre Western “Pale Rider”. Eastwood zaubert mit seinem Film einen klassischen Western aus der Tasche, der dabei schon bei seiner Veröffentlichung wie ein Relikt aus alten Tagen wird. Wer mit Western in seiner bekanntesten Art also etwas anfangen kann, ist hier richtig. Um einfach nur unterhalten zu werden bietet “Pale Rider” allerdings zu wenig und ist zu langsam erzählt.

[FILMFAKTEN]

Titel: Pale Rider
Originaltitel: Pale Rider
Jahr: 1985
Land: USA
Länge: 116 Minuten
Regie: Clint Eastwood
Drehbuch: Michael Butler, Dennis Shryack
Darsteller: Clint Eastwood – Preacher
Michael Moriarty – Hull Barret
Carrie Snodgress – Sarah Wheeler
Chris Penn – Josh LaHood (as Christopher Penn)
Richard Dysart – Coy LaHood
Sydney Penny – Megan Wheeler
Richard Kiel – Club
Doug McGrath – Spider Conway
John Russell – Stockburn
Charles Hallahan – McGill
Marvin J. McIntyre – Jagou
Fran Ryan – Ma Blankenship
Richard Hamilton – Jed Blankenship
Graham Paul – Ev Gossage
Chuck Lafont – Eddie Conway
Genre: Western
Altersfreigabe: FSK freigegeben ab 16 Jahren
Vertrieb: Warner Bros. Pictures

Frank (Erik Holmey) ist ein harter Hund, den so schnell nichts aus der Ruhe bringt und immer für einen viel versprechenden Coup zu haben ist. Ein getarnter Safe, der von Dänemark nach Deutschland gebracht werden soll, weckt seine Aufmerksamkeit und nach einer halsbrecherischen und in der Planung wenig ausgefeilten Aktion gelingt es ihm mit einigen Kumpanen das wertvolle Stück zu entwenden.

Doch kaum aufgebrochen erscheint schon die Polizei und bis auf einen kleinen Teil der Millionen kann er nichts mehr retten. Zum Schutz des Geldes entwirft er ein Rätsel, das mittels einiger Tattoos über eine kleine Schnitzeljagd zum gewünschten Geldsegen führen soll. Dumm nur, dass sich so einige fragwürdige Gestalten auf Schatzsuche nach den Moneten begeben und dabei um ihr Ziel zu erreichen vor Gewalt keinesfalls zurückschrecken…

[Kritik]

Ihren Status als Geheimtipp haben die Dänen schon lange nicht mehr inne, zu sehr sind mittlerweile Cineasten auf aller Welt in den Genuss der schwarzhumorigen, skurrilen und unkonventionellen Geschichten gekommen, die das heimatliche Kino doch so bedeutend prägen und von der generellen Masse hervorheben.. Egal ob „Pusher“, „Adams Äpfel“, „In China essen sie Hunde“, diese Liste mehr als begeisternder Filme lässt sich noch lange fortsetzen. „Pistoleros“ scheint aus dem gleichen Holz geschnitzt und wartet mit aberwitzigen Charakteren, bissigem Humor und der etwas anderen Inszenierung auf, die verschiedenste Genre-Stilistiken auf bravouröse Art und Weise miteinander verbindet.

Die Mischung macht’s bekanntlich. Originell wie auch verblüffend gut ist sie gelungen, diese Verschmelzung klassischer Elemente des Italowestern mitsamt einem modernen, tarantinoesken Stil. Sieht man über die mittels einiger Rückblenden etwas verschachtelt aufgebauten Segmente der Storyline hinweg, präsentiert sich dem Zuschauer unter anderem ein altbewährtes Westernstrickmuster, inbegriffen so einiger prägnanter und aus dem Genre zweifelsohne nicht wegzudenkenden Elemente wie etwa dem großen Raub, eines finalen Showdowns oder den zwischenmenschlichen Konflikten der Beteiligten im sündigen Kampf der zwielichtigen Ganoven. Gerade die Szene auf dem Schrottplatz lässt den Zuschauer in Gedanken postwendend ein paar Jahrzehnte zurück schweifen und weckt Erinnerungen an den berühmten Friedhofsshootout in „The Good, the Bad and the Ugly“. Musikalisches Theme, wie Präsentation der verschiedeneren Protagonisten sind in starkem Maß von den Spaghetti-Western beeinflusst.

Ebenso orientiert sich Regisseur Shaky Gonsalez merklich an Tarantino, Richie und Co. Der modegerechte, durchgedrehte Style, die bisweilen arg ausgeflippten Kampfszenen mit einer Mischung aus fernöstlichen Kampsporteinflüssen und roher, blutiger Gewalt und die kuriosen Personengespannen offerieren ein bizzares Gesamtbild, das aus diversen Merkwürdigkeiten seinen ganz persönlichen, besonderen Reiz zu ziehen weiß. Schmerzlich wird jedoch ein wahrer Spannungsbogen vermisst, das Geschehen verläuft trotz der Rückblenden inmitten des eigentlichen Haupterzählstranges viel zu stringent, als das sich wahrhaftig überraschende Twists auftun könnten. Ebenso unterliegt die Charakterskizzierung allseits bekannten Mustern und weiß sich davon bis zum Schluss nicht zu trennen, was sehr schade ist, da deswegen einer unpassenden Geradlinigkeit erneut Nährboden verliehen wird.

Dennoch, „Pistoleros“ ist eben einfach anders. Und das ist auch gut so, hält dieses kleine Stück Zelluloid doch nichtsdestotrotz einige interessante Überraschungen bereit, die dem Zuschauer dieses von der grauen Masse stark divergent erscheinende Erlebnis in nicht unerheblichem Maße versüßen.

Bewertung: 5,5/10

Der Western gilt ja gemeinhin als tot. Woher diese Behauptung stammt, vermag ich nicht zu verstehen. Denn obgleich die Menge der jüngst erschienenden Titel sich zwar nicht zahlreich bezeichnen kann, so haben doch einige gelungene Genre-Vertreter in den letzten Jahren die Filmstudios verlassen und eben für mehr oder minder finanziellen Erfolg gesorgt. Das diese Spezies Film nicht allein in der Hand der Amerikaner liegt, das bezeugte ja vor nicht allzu langer Zeit der australische Ableger „The Proposition“. Dennoch, haben die Cowboys ihre Wurzeln ganz klar in den USA. Seit mehr als 90 Jahren nun schon sind sie auf der Bühne vertreten und begeisterten vor allem in den 40ern und 50ern die Massen. Blickt man in die Gegenwart, so ist die Begeisterung merklich verebbt und nur noch wenige Filmfreunde wissen diese und neue Werke zu schätzen. Obgleich die Definition Kassengift wohl jeder neuzeitlichen Western-Produktion im Wege steht, schaffen es dennoch stets aufs neue einige Filme auf die große Leinwand. So war 2007 ein gutes Jahr, denn mit „The Assassination of Jesse James by the Coward of Robert Ford“ (was für ein sperriger Titel) und „3:10 to Yuma“ standen gleich zwei Neuerscheinungen Spalier und mussten sich den hohen Erwatungen von Publikum und Kritikern gleichermaßen stellen.

Wenngleich der Jesse James Ableger eher an ein im Westernsektor angesiedeltes, intensives Drama, erinnert, so bietet das Remake von „Zähl bis drei und bete“ ein eher nach klassischen Strickmustern gefertigtes Cowboyvergnügen mit allerhand Schießereien, Staub und Pferden. Für den in New Mexiko gedrehten Film zeichnet sich kein geringerer aus, als der spätestens durch seine exzellente Johnny Cash-Biopik berühmt gewordene James Mangold. Liest man seine Filmographie, sticht vor allem dessen vielfältiges Spektrum an Arbeiten auf, welche jeweils unterschiedlicher nicht sein könnten. Seine Anweisungen befolgen Oscargewinner Russel Crowe, Batman Begins-Star Christian Bale, „Captain America“ Peter Fonda und Ben Foster, welcher insbesondere durch seine Arbeit in diesem Film, wohl so einige Aufmerksamkeit auf sich gezogen haben mag. Näheres dazu später. Im übrigen gilt es noch zu erwähnen, dass sich der Film auf die gleichnamigen Kurzgeschichte von Elmore Leonard, erschienen im Jahre 1953, bezieht, auf die nur 4 Jahre später die filmische Adaption von Delmer Davis folgte. Wenden wir uns nun aber erst einmal dem Inhalt zu.

[Inhalt]

Kriegsveteran Dan Evans ist ein armer, vom Pech verfolgter Rancher. Erst verlor er sein Bein im Krieg, die Schulden scheinen ihn zu erdrücken und zu allem Übel, hält sein ältester Sohn Papi für einen schlaffen Feigling. Der Bandit Ben Wate scheint zugegen das genaue Gegenteil zu sein. Mithilfe seiner Bande gelingt ihm ein Raubcoup nach dem anderen und der Erfolg bei den Frauen scheint ihm Gewiss. Letzteres wird ihm zum Verhängnis, als er sich kurz nach einem Kutschenüberfall in die Arme eines Weibes begibt und daraufhin von einer Meute Revolverhelden gestellt wird. Dabei ist auch Dan Evans. Dieser tut sich bereit erklären bei der folgenden Überführung mitzuhelfen und Wate befehlsgemäß in den 3:10 nach Yuma zu setzen. Das Bens Bande die Gefangennahme ihres Bosses natürlich nicht einfach so hinnimmt scheint selbstverständlich. Eine wilde Hetzjagd entsteht, die im Städtchen Contention seinen unvermeidlichen Showdown finden wird…

[Kritik]

Eines lässt sich schon vorweg sagen. Mangolds jüngste Regiearbeit ist einer der besten Filme infolge der Westernveröffentlichungen in den letzten Jahren. Warum das so ist, nun, dafür gibt es vielerlei Gründe. Nehmen wir zu aller erst einmal die Inszenierung des Ganzen. Für einen Streifen dieser speziellen Gattung gibt es ja seit jeher gewisse Rahmenbedingungen, die erfüllt werden müssen um der Bezeichnung eines Western überhaupt gerecht zu werden. Insbesondere der Location gilt dabei das Hauptaugenmerk, denn was wäre denn ein Cowboy-Film ohne Prärie, weites Land und staubig-trockenen Städtchen inmitten im Nirgendwo. Alles drei ist vorhanden und entsprechend opulent anzusehen. Schweift der Zuschauer mit seinen Augen immer mal wieder ein wenig in Richtung des Außenrums ab, dann ist das ein wahrlich gutes Zeichen für die hervorragende Arbeit der Macher. Die Grundstimmung ist sehr harmonisch und lässt den Film sehr ausgewogen erscheinen, verleiht dem Ganzen sozusagen einen atmosphärischen Ton und lässt die Handlung um einiges intensiver wirken. Die gängigen Genreklischees wie guter Cowboy, böser Cowboy fanden lobenswerter Weise so gut wie keine Verwendung, zumindest wenn man von den Hauptprotagonisten ausgeht. Auf jene typische Schwarz-Weiß Charakterisierung klassischer Werke hat man zugunsten vielschichtigerer Personen verzichtet, ein großes Plus also für die Tiefenwirkung des Filmes, der damit lobenswerter Weise nicht zur Oberflächlichkeit verdammt wird.

Crow und Bale liefern dabei ein darstellerisches Glanzstück ab. Besitzt Bales Charakter so gut wie keine sonderliche Veränderung, erscheint dabei Russels filmischer Ego Ben Wade umso ambivalenter. Mit Sicherheit ein eiskalter Killer, steckt doch so etwas wie Moral und Anstand in ihm. Oder besser noch: Er honoriert die Taten andere, ohne dabei sich zu einem egozentrischen Selbstdarsteller zu erklären. Sein oftmals sanftmütig dreinblickendes Erscheinungsbild trügt dabei aber eben leider über dessen inneren Kern, den eines brutalen, unbarmherzigen Postkutschenräubers und Mörders, hinweg. Er lebt das Leben, welches sich Wades Sohn vielleicht wünscht. Ja, für welches er sogar sympathisiert und den Banditen somit als unmittelbaren Kontakt zu diesem ansieht. Unabhängig, mutig, stets die Taschen voller Geld und der gute bzw. prestigeprächtige Ruf eilt einem voraus. Er erkennt wie unterschiedlich sein Vater und Wade doch sind, wie schwach Evans anfangs noch erscheint, der arme Krüppel, der nicht einmal Frau und Kinder ernähren kann. Wade hingegen mag den Familienvater und lässt nichts unversucht, ihn in gewisser Weise für sich und somit seine Flucht zu gewinnen. Doch gen Ende, als er schlussendlich alleine dasteht, mit seiner todbringenden Bürde, ergreift Dan Evans der Ehrgeiz, der Mut und die Courage, die er vorher nie besaß, seinen Auftrag auszuführen. Zum einen um sich, zum anderen um seinen Sohn zu bestätigen, das dessen Vater doch zu mehr imstande ist, als dem erfolglosen bewirtschaften einer Ranch.

Mangold konzentriert sich sichtlich auf diese beiden Personen und lässt sie mit fortlaufender Spielzeit in zunehmend andere Lichter rücken. Sympathien schwanken hin und her wie der staubige Wind der Prärie und es fällt nicht leicht zu sagen, ok, Wade ist der Böse, lasst ihn sein gerechtes Schicksal ereilen und der Rancher soll heil zuhause angekommen und glücklich leben bis ans Ende seiner Tage. Mitnichten, wird es dem Zuschauer so einfach gemacht. Weniger Schwierigkeiten bereiten dabei aber die Nebenrollen, d.h. Wade und Evans „Gefolge“. Die Gauner bestehen aus klischeehaften Stereotypen, von jeder Spezialistensorte einer und selbst Evans Familie erfüllt so manche Voreingenommenheit eines Zuhauses, für das es sich wohl zu kämpfen lohnt. Kranker Junge, hübsche Ehefrau und aufmüpfiger Sohn. Nun, dabei lässt sich dem Film zu Gute halten, das der Western allgemein in seiner langwährenden Geschichte nur äußerst selten über diese festgefahrenen Muster hinaus kam und man es in diesem Beispiel gar als gewollt ansehen kann bzw. muss. Einen Namen jedoch gilt es ferner dem Darstellereinheitsbrei besonders hervorzuheben, Ben Foster. Dessen wahnwitzig psychotisches Schauspiel regt deutlich zu Begeisterungsstürmen an. Jede Bewegung von seiner Seite, jedes Wort kommt ungemein intensiv und angsteinflößend herüber und lässt keinen Zweifel, an seiner eiskalten Seele. Doch trotz allem Sadismus ist er ein treuer Anhänger Wades und achtet diesen als seinen Boss, sozusagen die perfekte Killermaschine, welche sich jede Diebesband des Westens sicherlich immer wünschte.

Begeben wir uns nun einmal zum nächsten wichtigen Punkt. Wie jeder weiß, besitzt wohl jeder bekannte Western ein stimmiges Theme, welche Kenner schon nach wenigen Takten erkennen lässt, wohin es wohl gehören möge. Der Wiedererkennungswert von Musikstücken im Westerngenre ist gemeinhin als äußerst hoch einzustufen. Und das ungeachtet ihr oftmaligen Schlichtheit und den einfach gehaltenen Rhythmen. Demzufolge bildet der Todeszug nach Yuma dabei natürlich keineswegs eine Ausnahme und bietet neben den optischen Schauwerten auch so einiges für die Ohren. Die instrumental-musikalischen Stücke werden meist von der Gitarre oder anderen, für damals gängigen Instrumenten dominiert, was zur Folge hat, dass ein wahrlich schöner, metallisch und staubig-dreckig klirrender Sound entsteht, der das Geschehen aufs perfekteste hin zu untermalen weiß. Auch hierbei haben die Verantwortlichen also saubere Arbeit geleistet. Dennoch besitzt der Film ein ganz gewaltiges Manko bezüglich der Ausgestaltung des Drehbuches. Narrativ gesehen, gibt es bis zum Ende des zweiten Drittels nichts auszusetzen. Tempo und Handlungsfortschritt bieten ein sauberes Zusammenspiel und lassen den Verlauf ungemein flüssig erscheinen. Keine Szene scheint unnötig oder deplaziert, selbst die eine oder andere Erweiterung hätte sicherlich nicht geschadet, um das Ganze noch etwas mehr auszubauen. Aber was spätestens um 3:00 Yumaer Ortszeit losgetreten wird, sorgt erst einmal für ungläubige Mienen vor den Bildschirmen. Ein Showdown gehört ohne Frage in jeden Western, gerne auch sehr ausgedehnt. Aber den Zuschauer als blöd zu verkaufen, das geht gar nicht. 10 Minuten lang verfolgt man einen wilden Lauf von Wade und Evans quer durch die Stadt, über Häuserdächer und an Verschlägen vorbei, bis hin zum errettenden Bahnhof. Das zuvor die halbe Stadt gegen sie aufgebracht wurde und es wirklich keiner der Bösen schafft, die beiden während ihres Marathons zumindest sichtlich anzuschießen oder ernsthaften Widerstand zu leisten, grenzt schon an absoluter Unfähigkeit. Die gekauften Schützen verkommen als infantile Schießbudenfiguren, zu blöd wenigstens eine Kugel richtig setzen zu können.

Was in „Open Range“ noch Realismus war, ist hier einfach nur unzureichende Arbeit der Macher. Den letzten Rest geben dann die Buddymovie-Einlagen, als Wade auf einmal alles daran setzt, Evans zu helfen, den Respekt seines Sohnes zu erlangen. Gewiss, so auch schon obig angesprochen, besitzt Wade sicherlich auch eine menschliche Seite, dennoch wirkt diese seelische Umwandlung unglaubwürdig und viel zu infantil in ihrer plötzlichen Umsetzung. Und als ob das nicht genug wäre, schießt der Bandenboss selbige gen Ende allesamt über den Haufen. Dabei haben sie nichts anderes getan, als ihn befreien zu wollen, so also dann er Dank dafür. Mangold verzwickt sich in der Schlussviertelstunde in diesem unlogischem Geflecht aus Übertreibung und Sinnlosigkeit, welches den Zuschauer angesichts der unerklärlichen Geschehnisse sehr betröpelt zurücklässt. Steigerungen hin oder her, sind keine Frage etwas feines, aber vor allem in diesem stets von Realismus geprägten Genre sollte man vielleicht nicht zu arg versuchen noch unbedingt einen drauf zu setzen. Die Authenzität ist dann nämlich dahin und die Stimmung verpufft im obligatorischen Sonnenuntergang. Und noch zum Schluss eine witzige Anekdote, für den Beweis, das die Studios sicherlich nicht am Hungertuch nagen werden. Wer sich Luke Wilson für eine Screentime von nicht einmal 5 Minuten leisten kann, für eine Rolle, für die vor 50 Jahren noch ein paar arme, unterbezahlte Mexikaner herhalten mussten, der hat es wirklich dicke, vielleicht sogar zu dicke.

„3:10 to Yuma“ hätte ein perfektes Stück Westerngeschichte werden können, doch aufgrund der herben, finalen Drehbuchschnitzer langt es eben nur zu einem sehr gutem Cowboy-Erlebnis, welche aber auch ungeachtet dieses Mängels sicherlich genügend Fans erreichen wird.

Bewertung: 7,5/10

In Wirklichkeit waren bis auf Yul Brynner und Eli Wallach alle anderen noch unbeschriebene Blätter, für die ihre Rollen als Sprungbrett für große internationale Karrieren dienen sollten. Allen voran Steve McQueen machte später seinen Weg und verstarb mit 50 Jahren leider viel zu früh an einem Herzstillstand nach einer OP, die ihn eigentlich von seinem Krebsleiden heilen sollte. Für die musikalischen Aufgaben zeigte sich außerdem noch Elmer Bernstein verantwortlich. Die personellen Weichen waren gestellt, nun galt es diese nur noch so gut wie möglich zu verwenden, denn wie der geneigte Filmfreund weiß, mach(t)en bekannte Namen allein noch nie einen guten Film aus. Die Geschichte um die sieben Cowboys ist dabei noch recht solide und von einem viel versprechenden, aber mitnichten revolutionären Sujet geformt, dass wie es vorerst scheinen mag, keineswegs sonderlich viele Überraschungen bereithalten wird.

[Story]

Ein mexikanisches Dorf wird immer wieder auf neue von dem tyrannischen Bandenchef Calvera (Eli Wallach) heimgesucht. Die unfreiwilligen Abgaben von Ernte und anderen Dingen erschweren ihr Leben in einem solchem Maß, dass deren weitere Existenz gefährdet ist. Doch da sie keine Ahnung vom Kampf, geschweige denn von Schusswaffen haben begeben sie sich zur Grenze um sich dort selbige anzueignen. Doch stattdessen treffen sie auf den Meisterschützen Chris, der sich bereit erklärt, obgleich die versprochene Entlohnung nicht der Rede wert ist, eine schlagfertige Truppe auf die Beine zu stellen und mit seinen Männern Schutzdienst für das Dorf zu leisten. Nach und nach füllt sich die Truppe mit talentierten Persönlichkeiten und gemeinsam ziehen sie los, den armen Mexikanern Hilfe zu leisten und sie dabei auch noch kampfestauglich auszubilden. Doch Calveras Ankunft hat nicht mehr lange auf sich zu warten…

[Kritik]

Ist also sehr simpel das ganze und worauf es hinauslaufen wird, nämlich einen groß angelegten und möglichst bleihaltigen Showdown, dürfte jedem klar sein. Eben ein Western, nicht mehr und nicht weniger. Doch halt, so einfach lassen sich “Die glorreichen Sieben” dann aber auch wieder nicht abstempeln. Denn die typischen Westernklischees werden dann doch nicht in den Ausmaßen bedient, wie man vielleicht befürchten sollte. Sturges distanziert sich merklich von der 50er Jahre gängigen “weiß-reinen” Mache, die das Genre lange Zeit beherrschte. Eintrittswunden der Kugeln werden genauso gezeigt, wie das ganze Setting einer “Mach schmutzig-Generalüberholung” unterzogen wurde. Triste Farben, dreckiger Look und glanzlose Helden erzeugen so etwas wie die Brücke zwischen den später groß aufspielenden Italowestern und klassischen Werken.

Von beiden ist ein Teil vorhanden und hält sich so ziemlich die Waage. Traditionell ist die “Gut gegen Böse-Geschichte”, bei der die Mexikanerfreundliche Partei diesen natürlich postwendend zu Hilfe eilt und dabei ihrer sonst so als Treibfeder dienenden Geldgier keine Beachtung schenken. Weniger konservativ ist die Tatsache, dass alle sieben, lasterhafte Revolverhelden sind, die sich ihren Lebensunterhalt per Raub, Schießereien und Glücksspiel sichern. Der Schutzauftrag bietet so etwas wie die Möglichkeit zur Besserung, um einmal in ihrem Leben etwas sinnvollen tun zu können. Nun, an Pathos scheint es nicht zu mangeln, dennoch nimmt man dem Film seine “Einfältigkeit” nicht übel. Andere Zeiten, andere Moralvorstellungen – so einfach ist das eben (leider) und daher darf man Sturges auch keinen Vorwurf machen.

Andere Regisseure gingen da noch um einiges naiver ans Werk. Umso erfreulicher hingegen ist seine narrativ sehr stringent wirkende Art zu drehen. Wie sonst auch, verzichtet der auf großartiges Tamtam und vielerlei Spielereien, sondern verlässt sich ganz auf seine Schauspieler. Sie sollen das Geschehen bestimmen und ihnen Leben verleihen. Keine ungewöhnlichen Kamerafahrten, keine besonderen Stilmittel – nur die Klasse des Mannes zählt. Das genaue Gegenteil von zum Beispiel John Fords Art zu drehen also, da dieser sich zu großen Teilen stets auf die Aufnahmen und entscheidende Blickwinkel stütze und diesen die Vorherrschaft in seinen Filmen ließ. Doch bei dem Aufgebot an Stars, die allesamt mehr als fähig erscheinen, ist Sturges Entscheidung wieder einmal mehr als weise. Gleichwohl verliert der Erzählfluss allerdings, bedingt durch den klaren Fokus auf die Personen, bisweilen ein wenig an Fahrt. Denn die großen Anzahl von Protagonisten nicht berücksichtigend, gewährt Sturges jedem von ihnen (zu) viel Zeit, um sich und seine Rolle angemessen vorzustellen und seinen Beitrag zur Handlung deutlich zu machen. Dem ungeachtet, wird unverständlicherweise auf eine ausführlichere Besprechung der Vergangenheiten der Revolverhelden leider verzichtet.

Sicher, kann man sich so vielen selbst denken, aber vor allem bei Chris, dem komplexesten Charakter im Film, hätten ruhig ein paar mehr der Details eingebaut werden können. Eben einfach nur, um schlicht ein besseres Verständnis entwickeln zu können. Aber ansonsten überzeugt der Oscargewinner Yul Brynner natürlich ebenso, wie auch die restliche “glorreiche” Truppe. Man spürt richtig das Feuer, das zwischen den einzelnen Akteuren gebrodelt haben muss, da sich jeder besonders hervortun und die allgemeine Aufmerksamkeit auf sich ziehen wollte. Ferner hatte Eli Wallach, als der böse Antagonist schon einmal erste Gelegenheit Erfahrungen zu sammeln, für seine spätere Paraderolle in “Zwei glorreiche Halunken”, macht aber auch hier schon eine sehr gute Figur. Seine Rolle des Calvera fällt aber dieses Mal einer mangelnden Skizzierung zum Opfer – gerade aufgrund seiner beinahe ambivalenten Persönlichkeit fehlt der letzte Feinschliff, um den Charakter dieses undurchschaubaren Mannes näher verifizieren zu können.

Dann liese sich vielleicht auch der spätere Verrat in den eigenen Reihen plausibler erklären, denn das obschon die Dorfbewohner einen solchen Sieg davon getragen haben, immer noch ein Teil ihrer derart verängstigt und unterwürfig zu sein scheint, vermag zwar verständlich, dennoch aber nicht hinreichend untermauert. Da scheint es sich die Crew zu einfach gemacht zu haben, um an dieser zentralen und vor allem wichtigen Stelle die Geschichte plausibel fortführen zu können. Das darauf folgende und wieder hervorragend in Bild gesetzte Feuergefecht weis dann aber einmal mehr in vollem Maße zu überzeugen. Hervorhebenswert ist aber auch auf alle Fälle die tiefgehende Behandlung der Psychen der Männer. Zu leben, immer mit der Angst im Kopf eines Tages vom Glück verlassen zu werden und seinen Meister im Duell zu finden, das ist ein Gedanke der vor allem Lee (Robert Vaughn) schwer zu schaffen macht. Symbolisch dafür sei der eindrucksvoll inszenierte Albtraum genannt, welcher unverfälscht den von Angst und Selbstmitleid erschütterten Geist ans Licht bringt. Augenscheinlich steht er mit seinen Problemen alleine da, doch im Laufe der Handlung wird deutlich, das auch Chris (Yul Brynner) und Vin (Steve McQueen) nicht davon verschont sind. Zwar weniger drastisch, aber auch sie sind ihres unruhigen Daseins müde. Der Wunsch nach einer festen Anstellung, Familie und Kindern, ist vorhanden, wirkt aber unerreichbar. Zwar haben sie so einiges in ihrem Leben vollbracht, doch im Grunde nichts, worauf sie stolz sein könnten.

Die beiden machen sich ernsthaft Gedanken über den Sinn und werden nicht, wie augenscheinlich vermutet, der Rest der Truppe vom Spaß am Töten, des Geldes oder der Selbstbestätigung Willens getrieben. Selbst die “Söldner” besitzen Prinzipien und ihr wahrer Charakter kommt nach und nach immer mehr zum Vorschein. Alle sind sie gestandene und harte Männer, doch in ihrem tiefsten Inneren sehnen sie sich nach Geborgenheit, Sicherheit und Liebe. Wenngleich die, ihre jeweiligen unterschiedlichen Typen betreffend besetzte Gruppe unoriginell erscheinen mag, so steckt entgegen dem ersten Eindruck viel mehr Tiefe in den Charakteren, als es vorerst den Anschein hat. Hierbei wird wieder einmal mehr deutlich, inwiefern Sturges sich vom klassischen Personenbau entfernt hat, denn solch eine komplexe Darstellung der Helden hatte in den 40ern und 50ern wahren Seltenheitswert.

Die Moral von der Geschicht ist dann auch wieder ganz verquer gegenüber den alten Genrewurzeln: Nicht die siegreichen Beschützer sind am Ende die wahren Gewinner, sondern die armen Farmer. Verlieren konnten die tapferen Männer nichts, doch für die Bauern ging es um ihre pure Existenz. Durch ihren Mut und Einsatz sicherten sie sich und ihren Angehörigen wieder ein besseres Leben, fernab der Angst genötigt und ausgenutzt zu werden. Sie wussten wofür sie kämpften, doch für was stritten die Sieben? Wohl aus dem noblen Grund einmal das richtige tun zu können und etwas zu vollbringen, das Früchte tragen wird und nicht am Friedhof auf dem Hügel begraben werden muss. Die Wende war also eingeläutet und der klassische Western, so wir eh er jahrzehntelang vorherherrschte musste sich neuen und mit Sicherheit realitätsnäheren Änderungen hingeben – der strahlende Held, der sein Tun niemals hinterfragte und stets auf sich beharrte galt von nun an der Vergangenheit an. John Sturges verewigte sich mit seinen moralisch ungemein wertvollen “Glorreichen Sieben” zu Recht in den Analen des Amerikanischen Western-Genres.

Auch wenn die Idee nur geklaut gewesen sein mag, was einen kleinen bitteren Beigeschmack hinterlässt, so spricht die geschichtsträchtige Umsetzung dennoch für sich. Des Weiteren machen auch die hervorragend komponierte Filmmusik und die phantastischen Landschaftsaufnahmen einen ansprechenden Eindruck, der sich in die übrige Begeisterung fugenlos einzufügen vermag. Die minimalen Fehler im Handlungsfluss und der Charakterzeichnung können dieser nur noch die Euphorie der Vollkommenheit verwehren. Dies gelang acht Jahre später nur Sergio Leone in seinem Meistwerk “Spiel mir das Lied vom Tod”, der den virtuosesten Abgesang auf die Cowboy-Ära aller Zeiten schuf.

Bewertung: 9/10 Punkten

[STORY]

Maria (Penélope Cruiz) und Sara (Salma Hayek) kommen aus unterschiedlichen Gesellschaftsschichten, doch haben sie einen gemeinsamen Feind: die Eisenbahngesellschaft. Sara wurde ihr Land von der Eisenbahngesellschaft enteignet und es deutet alles darauf hin, dass die selben Leute hinter der Ermordung von Marias Vater stecken. So schließen sich die beiden ungleichen Frauen zusammen und wollen die fiesen Pläne der Gesellschafter aufdecken. Hilfe bekommen sie dabei von Quentin (Steve Zahn), der sich zwar etwas schusselig angestellt, schlussendlich aber eine große Hilfe für Maria und Sara ist.

Zwischen den beiden “Bandidas” und der Eisenbahngesellschaft entbrennt ein spannender und humorvoller Kampf um die Zukunft.

[MEINE MEINUNG]

Was kann schon groß schiefgehen, wenn zwei Schönheiten wie Penélope Cruiz und Salma Hayek in einem Film die Hauptrolle spielen? Eine Menge! Bei “Bandidas” geht allerdings nahezu gar nichts schief. Die beiden Hauptdarsteller schaffen es sehr schnell sich nicht nur die männlichen Sympathien zu erspielen, sondern auch die des weiblichen Publikums und auch die männliche Schauspielerriege kann den Zuschauer überzeugen.

Hinzu kommt, dass das Regieduo Joachim Roenning (Dag 1) und Espen Sandberg den Film immer mit einem Augenzwinkern und viel Humor inszeniert hat ohne dabei zu irgendeiner Zeit lächerlich zu wirken. Dabei setzt das Duo auf die verschiedensten Stilmittel wie zum Beispiel den klassischen Slapstick oder ausgefeilte Wortgefechte.

Auch die Action kommt in “Bandidas” nicht zu kurz und auch da machen die beiden weiblichen Hauptdarstellerinnen eine gute Figur. Wirken in vielen Filmen Frauen als Actionheldin unfreiwillig komisch, passt dieses Bild ausgesprochen gut zu den gut ausstaffierenden Darstellerinnen Cruiz und Hayek.

Ein Kritikpunkt gibt es dennoch anzumerken. Die Story von “Bandidas” ist leider arg voraussehbar. Schnell wird klar, was wer als nächste macht und welche Wendungen die Story nehmen wird. Dadurch kommt es zu einem Punktabzug in der der Gesamtnote.

[FAZIT]

“Bandidas” ist perfektes gute Laune Kino. Die einfach gestrickte Story und die beiden hübschen Hauptdarstellerinnen garantieren einen entspannten Abend vor dem Fernseher.

[FACTS]

Titel: Bandidas
Originaltitel: Bandidas
Jahr: 2006
Regisseur: Joachim Roenning, Espen Sandberg
Drehbuch: Luc Besson, Robert Mark Kamen
Darsteller: Penélope Cruz – Maria
Salma Hayek – Sara
Steve Zahn – Quentin
Dwight Yoakam – Jackson
Denis Arndt – Ashe
Audra Blaser – Clarissa Ashe
Sam Shepard – Bill Buck
Ismael ‘East’ Carlo – Don Diego
Gary Cervantes – Pedro
José María Negri – Padre Pablo
Lenny Zundel – Bernardo
Edgar Vivar – Expl. Bank Manager
Ernesto Gómez Cruz – Brujo
Filiberto Estrella – Midget
Yomo Tlazotlalli – Gordo
Land: Frankfreich, Mexiko, USA
Länge: 93 Minuten
Genre: Action, Komödie, Western
Altersfreigabe: FSK freigebeben ab 12 Jahren
Verleih: Universum Film

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